OTROS PINTORES
| EL PRENDIMIENTO de Goya. Siglo XVIII Diferente visión teológica del
mismo drama plasmado en "el Expolio". Una de las escasas obras religiosas,
encargo del Cardenal Borbón. Pintada en una época ya tardía de enfermedad y de sordera,
cuando Goya aúna la monstruosidad de los Caprichos y de las Pinturas Negras con el
luminismo; obra simultánea a los frescos castizos de San Antonio de la Florida y escenas
de brujería.
Domina la escena de un cargado expresionismo con una atmósfera de tintes violentos y
sombríos; rostros aullantes, con trazos que apenas delimitan con exactitud las figuras,
acechan es espacio blanquecino de Jesús como negras sombras en un claroscuro
impresionante.
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Buscando la aprobación del Cabildo, tuvo que acentuar el rostro de
Jesús, lleno de luz entre rostros bestiales y grotescos, con ojos semicerrados,
conteniendo el dolor interior. La cabeza más cercana es la de Judas que se acerca para
besarle su mejilla; en primer plano dos soldados: uno de ellos señala a la comitiva el
camino a seguir y da indicaciones al sayón de la alabarda y la espada. |
| Si el Greco había plasmado rostros abocetados y ceñudos rodeando al
Jesús majestuoso con la túnica de color púrpura, símbolo de realeza, aceptando el
sacrificio y mirando hacia lo alto, Goya recrea una masa de caras crispadas y de máscaras
amenazantes, situando a un Cristo empujado por sayones como eje de la composición entre
penumbras, contraluces y contrastes cromáticos, de manifiesta influencia de Rembrand; un
Cristo humillado, resignado, mirando hacia el suelo, con túnica de color blanco
amarillento símbolo del escarnio y de burla. Los judíos son sustituidos por franceses y
mamelucos. El rostro queda iluminado desde la izquierda por trágica luz goyesca de unos
faroles. |
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Tras haber sido regalado este cuadro al Arzobispo de Toledo se ubicó al
lado del testero de la Sacristía el 8 de enero de 1799, dentro de un retablo de mármol
con remate semicircular y dos querubines de piedra en la clave. 
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LA DOLOROSA de Luis Morales. Siglo XVI
Del pintor pacense Luis Morales, apellidado "El divino"(s. XVI) porque todo
lo que pintó fueron figuras piadosas y delicadas con un estilo propio, aunque no firma
sus obras. Si el Greco fue el exponente pictórico de la más elevada mística literaria
reflejada en San Juan de la Cruz y Santa Teresa, y de la espiritualidad castellana, al
servicio de los grandes mecenas del Renacimiento español.
El divino Morales pertenece al universo de la devoción popular. Sus obras de uso
privado en pequeño formato expresan momentos y figuras de la historia del cristianismo de
una forma sencilla y directa para fomentar el sentimiento religioso, la meditación
privada y el rezo público.
Procediendo de la escuela extremeña reside en Toledo, Valladolid, Madrid y Sevilla;
llamado a la Corte madrileña por Felipe II, monarca coleccionista y protector de las
artes; no siendo su pintura del agrado del monarca, retornó a Extremadura.
Su estilo sencillo evoca a los primeros flamencos y los puntos de contacto mantenidos
con el Greco: el sentido dramático, sin excluir la serenidad y la ternura. Más que
pintar, colorea cromos melancólicos y femeninos ofreciéndonos su vida interior.
Representa a María de medio cuerpo cubierta de tocas blancas, túnica roja y manto azul,
ante la cruz; pocos como él de entre los pintores renacentistas expresó con tal acierto
el misticismo ascético de los temas religiosos. Una forma estilizada no exenta de cierto
manierismo en la que podemos apreciar el individualismo que brota en Italia como
superación del clasicismo renacentista, atendiendo a las demandas de una sociedad más
refinada. María como una plegaria viviente con acentuado patetismo, aislada del momento
narrativo bien conocido por la piedad popular, irradia en su mirada una congoja viva y un
dolor delicado.
LA SAGRADA FAMILIA de Van Dyck. Siglo XVII
Por su delicada composición, ternura y sublime color esta obra de la escuela flamenca
es llamada "la perla". Verismo naturalístico en el que la entrañable humanidad
de las figuras irradia la luz sobrenatural de un misterio encamado; pocas veces el arte
acertó en reproducir el sueño profundo y sin problemas de un niño.
PAULO III de Tiziano
Estamos ante uno de los más bellos retratos del Renacimiento firmado por Tiziano,
maestro del color; fue regalado para la Sacristía por el cardenal Pascual de Aragón,
embajador plenipotenciario del Papa. Quince años de pontificado muy intenso el de Paulo
III: tras el descubrimiento de América debe defender a los indígenas y reconocer sus
derechos humanos, prohibiendo bajo pena de excomunión a cuantos les esclavizaban y les
despojaban de sus bienes; en aquellos años de transición histórica supo ser el gran
reformador eclesial, cuyo fruto mayor sería el Concilio de Trento; como mecenas del arte
encargó a Miguel Angel el fresco de la Capilla Sixtina.
Tiziano le retrata ya en horas de ocaso vital, cargado de preocupaciones con la
pesadumbre y el cansancio rezumando en sus ojos y en los labios, pero con una
naturalidad en el rostro que impresiona; en postura sedente como exigen los retratos
áulicos oficiales.
Destaca el rojo intenso de la muceta y los brillos impresionistas en los pliegues y en
la rica materia del sillón. Maravilloso juego de luz sobre los terciopelos. Detalle
verista de la mano, de edad avanzada y huesuda, sobre la bolsa bordada.
TRÍPTICO DE LA SAGRADA CENA de Juan de Borgoña. SigloXVI
Bajo un interior porticado y cubierto con artesonado aparece Cristo de pie en el
momento de instituir la Eucaristía; en los bancos, los Apóstoles sentados; algunos,
delante, sobre banquetas de tijera; un paisaje de árboles como fondo; a los lados del
tríptico, S. Ildefonso como donante y Sta. Bárbara; en la parte inferior, en caracteres
góticos, podemos leer la inscripción; "Este retablo mandó fazer Alonso de
Salzado Racionero et Capellán de los Reies Nuevos"
ZURBARÁN
Sin duda se trata del mejor intérprete de la fe monástica española; cree
profundamente en el carácter sacro de la materia, porque Dios existe y está cercano a la
realidad natural; de la materia hace brotar la luz que las figuras necesitan, sin
agotaría nunca, como el cubismo. La luz acaricia el sayal del hábito monacal en actitud
de naturalidad, no amanerado, con reserva y dignidad. A fines del S. XVI el Concilio de
Trento había propiciado una revolución eclesial: se reforman las órdenes religiosas; en
pocos años fueron canonizados muchos de sus fundadores; se favorecían así la
reconstrucción y la ornamentación de los edificios religiosos; como criterio se impone
una enseñanza de la fe, apoyándose en el órgano de la visión, frente a la reforma
protestante que mantenía la preeminencia de la palabra y rebajaba la utilidad de la
imagen; igualmente el arte de la Reforma prescindía de la cultura panteísta del
Renacimieno reservada para la clase más culta; en el arte se imponía una comprensión
más humana de la religión.
LA ORACIÓN DEL HUERTO de José Ramos. Siglo XIX
Dentro de un retablo de Ignacio Hann, encargo del cardenal Borbón, sobre mesa de altar
de mármol jaspeado, en juego armónico dentro de la estancia con el cuadro de "El
prendimiento" de Goya, representa a un Cristo casi de frente y arrodillado; a la
izquierda un ángel con el cáliz; en segundo plano, los apóstoles duermen; escena
coronada por la gloria con tres ángeles.
LA HUIDA A EGIPTO de Grammatica. Siglo XVII
La factura de la composición está animada por un aire de movimiento. Sobre un
borriquillo, cuyo ramal lleva un ángel, María porta en sus brazos al Niño y habla con
José que camina con bastón, a su lado; ambos cubiertos por un original sombrero. En esta
escena, muy tenebrista, todos los rostros giran como una rueda de miradas hacia el Niño.
...Podemos también apreciar una obra de Giovanni Bellini que firma la pintura sobre
tabla del Entierro del Señor; del pintor alemán RAFAEL MENGS, llamado a España
por Carlos III, dos pequeños retratos de la Virgen y de Jesús adolescente sobre chapa.
JESÚS CON LA SAMARITANA de Giovanni Batista Crespi. Siglo XVII
LA VIRGEN DEL VELO de Rafael. Siglo XVI
Juan Bautista niño descubre el velo que cubrirla al Niño dormido.
OBRAS DE LUIS DE VELASCO. Siglo XVI
SAN ANTONIO ABAD
Rodeado de monjes de su orden conversando con ellos.
SAN BLAS
Vestido de arzobispo y rodeado de santos; este lienzo fue pintado para la capilla del
mismo santo en la Catedral, fundada por Tenorio cuya figura aparece en primer plano; son
evidentes las huellas de los escorzos tan recurrentes en la obra del Greco.
LA PRESENTACIÓN
El anciano Simeón sostiene al Niño, teniendo como testigo a la profetisa Ana. José y
María de pie y otras figuras, a excepción de una joven que intenta recoger en un primer
plano uno de los pichones del ritual judío.
LA ADORACIÓN DE LOS REYES de Francisco Rizzi. Siglo XVII
Obra de Francisco Rizzi, pintor real de la Escuela de Vicencio Carducho; imita a la
pintura veneciana mediante un colorido brillante y transparente; es el primer neoveneciano
de la Escuela Madrileña del XVII en composiciones barrocas llenas de movimiento.
Representa a Maria sentada sobre banco de piedra sosteniendo al Niño; éste intenta
apresar con sus manos el obsequio del Rey Mayor, mientras pajecitos ofrecen al Mago
ofrendas en un cesto.
LUIS TRISTÁN (1585-1624)
Junto con Pedro ORRENTE, murciano afincado en Toledo, con Maino y con
Vicente Carducho, autor del tratado sobre arte más elogiado del XVII "Diálogos de
la pintura" que decoró el Sagrario de la Catedral, configuran a la Escuela toledana
que brilló en el XVII aunque sin continuidad.
Luis Tristán, toledano de origen, se formó y vivió durante tres años en el taller
del Greco tras haber descubierto en Italia el mundo caravaggista. Como discípulo
aventajado no disimuló la clara dependencia de su maestro manifiesta en los cánones
anatómicos, aunque muestra su personalidad en la utilización de la luz y el tratamiento
más incisivo y realista de las figuras.
Representa a la generación de transición entre los ss. XVI-XVII combinando los temas
del Cretense y los de Bassano, con la corriente mística de seres en contacto con la
divinidad, tema muy cultivado durante el XVII y en el que destacó la figura de Francisco
Ribalta.
Excelente retratista de figuras alargadas, modeladas con la luz, de volumen macizo
y con una presencia casi táctil; verosimilitud naturalista en los vestidos, posturas,
detalles y anatomías inspiradas en los bocetos de Miguel Angel; característica suya es
la atmósfera tenebrista. A diferencia de su Maestro, el elemento sobrenatural no llena a
toda la realidad representada, sin apartarse de los objetivos de la pintura religiosa del
momento orientada al fomento de la devoción popular.
LA ASUNCIÓN de Carlos Maratta. Siglo XVII
Contraste entre el cuerpo humano y pesado de María y el cuerpo sutil y ágil de los
ángeles. Dos ángeles músicos en primer piano.
SAN ANTONIO ABAD de Luis Tristán. Siglo XVII
Vestido de monje; sobre la mesa un crucifijo, calavera y campanilla; fondo de cueva y
paisaje.
EL CRUCIFICADO de Luis Tristán.
Bajo cielo tormentoso agoniza en la cruz con aire crispado y patético.
SAN SEBASTIÁN de Luis Tristán.
Con sudario blanco atado a un árbol ante un horizonte de fondo bajo.
LA APARICIÓN DE SANTA LEOCADIA
Esta obra maestra de 1617 se debe al pintor murciano de
talante narrativo P. ORRENTE; formado básicamente en Toledo y muy amigo de los familiares
del Greco. Artista viajero, tan impresionado durante su estancia en Italia por el estilo
de los Bassano que merecerá el calificativo de "el Bassano español". Son
manifiestas las influencias de la escuela veneciana y del círculo del Greco: naturalismo
de la escuela veneciana con magníficos rostros de expresión individual, algunos son
auténticos retratos vivaces especialmente el del diácono del santo Arzobispo y los que
asoman tras él. Pero la personalidad inquieta de Orrente renuncia a la verticalidad
inmaterial de las figuras del Greco, pintando cuerpos de densa y terrosa materialidad de
un color tostado.
La escena representa el instante en que la santa toledana Leocadia, se incorpora del
sepulcro y se aparece a San Ildefonso vestido de pontifical. Recesvinto le ofrece una
espada para cortar un trozo de su manto.
EPIFANÍA de Francisco Comontes. Siglo XVI
Los magos rodean a la Virgen sentada con el Niño, ante arquitectura con arcos.
DESCANSO EN LA HUIDA A EGIPTO de Francisco Comontes.
Los padres calientan el pañal del Niño bajo una palmera, cuyos ramos, según relatos
apócrifos, inclinaron unos ángeles para que José pueda recoger unos dátiles.